sábado, 29 de mayo de 2010
Mitologia Alex
Alchemy: la tormenta gráfica
El perfeccionismo es una de las mayores barreras para la creatividad. El miedo al error se convierte
en un freno, se depende de la goma de borrar hasta el exceso, y se acaba perdiendo toda posibilidad
de realimentación desde el dibujo. Nunca hay sorpresas, no surge nada nuevo de forma espontánea,
y se puede acabar cayendo en una poco deseable rigidez gráfica. Al final uno comprende que lo
mejor es no corregir tanto los dibujos: se dejan de lado y se vuelven a hacer. De ese modo se van
acumulando versiones, opciones, aciertos parciales, borrones y efectos inesperados. Del mismo
modo en que en un brainstorm se “tiran” muchas ideas para producir algunas buenas, uno aprende a
“tirar” dibujos, bocetos, ilustraciones.
Luego llega la herramienta digital: el comando deshacer, los de edición, las capas y los objetos
vectoriales editables hacen las cosas fáciles: ya podemos controlar del dibujo al 100%. Puede
parecer que en el ámbito digital producir sin control y descartar es más sencillo, pero las enormes
capacidades de edición/corrección disponibles en cualquier programa pueden llevar de nuevo al
perfeccionismo esclerotizante. Uno comienza haciendo bocetos, y antes de darse cuenta, ya está
puliendo una única imagen en todos sus detalles.
Sin embargo, inesperadamente, he encontrado por fin un programa donde prácticamente no se
puede hacer eso:
Si tuviera que definir Alchemy, diría que es un software de brainstorming gráfico. Más que una
herramienta de dibujo, es un generador de formas interactivo, un catalizador de posibilidades
gráficas. Es deliberadamente impredecible; sólo podemos controlar algunos factores en el proceso
de creación, nunca el resultado final. Como dicen sus creadores: Sin deshacer, sin selección, sin
edición. En lugar de eso, la interacción se centra en la obtención de un gran número de formas
buenas, malas, extrañas o hermosas. Para que veáis si no es perversamente eficaz en esto, se puede
incluso programar el borrado automático del lienzo para forzar al usuario una y otra vez a refrescar
el proceso.
Aunque se trata de una herramienta vectorial (el resultado se puede guardar en PDF), se usa más
como un lienzo digital, con el trazado intuitivo y directo de la pintura en ráster. En una interfaz
mínima incluye varios modos de trazado diferentes que pueden ser controlados mediante la
combinación de modificadores en tiempo real como la simetría automática, la aleatorización, el
dibujo a ciegas, e incluso por captura de color en tiempo real a través de una webcam o el control
mediante el sonido, literalmente gritándole al trazo para que se haga más grueso, por ejemplo.
El perfeccionismo es una de las mayores barreras para la creatividad. El miedo al error se convierte
en un freno, se depende de la goma de borrar hasta el exceso, y se acaba perdiendo toda posibilidad
de realimentación desde el dibujo. Nunca hay sorpresas, no surge nada nuevo de forma espontánea,
y se puede acabar cayendo en una poco deseable rigidez gráfica. Al final uno comprende que lo
mejor es no corregir tanto los dibujos: se dejan de lado y se vuelven a hacer. De ese modo se van
acumulando versiones, opciones, aciertos parciales, borrones y efectos inesperados. Del mismo
modo en que en un brainstorm se “tiran” muchas ideas para producir algunas buenas, uno aprende a
“tirar” dibujos, bocetos, ilustraciones.
Luego llega la herramienta digital: el comando deshacer, los de edición, las capas y los objetos
vectoriales editables hacen las cosas fáciles: ya podemos controlar del dibujo al 100%. Puede
parecer que en el ámbito digital producir sin control y descartar es más sencillo, pero las enormes
capacidades de edición/corrección disponibles en cualquier programa pueden llevar de nuevo al
perfeccionismo esclerotizante. Uno comienza haciendo bocetos, y antes de darse cuenta, ya está
puliendo una única imagen en todos sus detalles.
Sin embargo, inesperadamente, he encontrado por fin un programa donde prácticamente no se
puede hacer eso:
Si tuviera que definir Alchemy, diría que es un software de brainstorming gráfico. Más que una
herramienta de dibujo, es un generador de formas interactivo, un catalizador de posibilidades
gráficas. Es deliberadamente impredecible; sólo podemos controlar algunos factores en el proceso
de creación, nunca el resultado final. Como dicen sus creadores: Sin deshacer, sin selección, sin
edición. En lugar de eso, la interacción se centra en la obtención de un gran número de formas
buenas, malas, extrañas o hermosas. Para que veáis si no es perversamente eficaz en esto, se puede
incluso programar el borrado automático del lienzo para forzar al usuario una y otra vez a refrescar
el proceso.
Aunque se trata de una herramienta vectorial (el resultado se puede guardar en PDF), se usa más
como un lienzo digital, con el trazado intuitivo y directo de la pintura en ráster. En una interfaz
mínima incluye varios modos de trazado diferentes que pueden ser controlados mediante la
combinación de modificadores en tiempo real como la simetría automática, la aleatorización, el
dibujo a ciegas, e incluso por captura de color en tiempo real a través de una webcam o el control
mediante el sonido, literalmente gritándole al trazo para que se haga más grueso, por ejemplo.
Xia Xaowan
Artistas tétricos Xia Xiaowan
Artista chino que se mueven dentro de los limites de cualquier definición de
pintura y escultura.
Es un claro ejemplo de lo pobre que resulta el lenguaje verbal para comunicar
una idea .Por que lo que pretende el autor, será suscitar desde el miedo,
pasando, por una sensación de repugnancia hasta , pasando por un sentido de
belleza un tanto singular.
La una crítica que puedo hacer, es propiamente a lo que me acabo de referir
anteriormente.
No voy a criticar o a exponer una serie de conclusiones del autor sino, del
propio lenguaje ¿es realmente necesario e importante que se llama a su obra
escultura o pintura? .
Yo creo que desde el punto de vista de alguien que tiene un minimo interés
intelectual, en cuanto al arte, creo que nos interesa poco, por no decir nada, las
etiquetas que una serie de personas en este caso historiadores o críticos del arte
tenga que poner a una obra o a un autor.
Si precisamente estas series de obras de gran tamaño pintadas cada una por
separado, dando una sensación de tridimensionalidad y navega entre ambas
disciplinas, hace que sea realmente curioso la reflexión que acabo de hacer.
Volvemos a lo de siempre, una crítica se basa en el gusto de quien tiene ese
poder, eso es una soberana estupidez y me remitiria a cuestiones ya comentadas
por mi en otros comentarios.Que el gusto determine una buena o mala crítica
dice poco, de quien juzga.
Deberia de haber unos valores minimos para determinar el valor de una obra.
Es decir la única pega que puedo comentar es no haberlo visto en vivo y en
directo para poder juzgar las imagénes de una gran fuerza sublime .
A esto me refiero cuando en los anteriores trabajos, sobretodo la galeria
Bombarda que sean realmentes obras mediocres o simplemente les llamo
ejercicios de facultad.
Por que no pueden trascender a la categoria de obra como la obra Xia Xiaowan,
por la sencilla razón que no han investigado y trabajado en otros formatos hasta
conseguir piezas únicas.
Una obra que tienes esas cualidades tan plásticas que transciende incluso la
figuración, ¿por que trasciende la figuración? pues por cada plancha de vidrio
es una mancha estudiada que esta colocada de manera que al colocarse delante
o detrás, cree esa sensación de tridimensionalidad que tiene la escultura.
Artista chino que se mueven dentro de los limites de cualquier definición de
pintura y escultura.
Es un claro ejemplo de lo pobre que resulta el lenguaje verbal para comunicar
una idea .Por que lo que pretende el autor, será suscitar desde el miedo,
pasando, por una sensación de repugnancia hasta , pasando por un sentido de
belleza un tanto singular.
La una crítica que puedo hacer, es propiamente a lo que me acabo de referir
anteriormente.
No voy a criticar o a exponer una serie de conclusiones del autor sino, del
propio lenguaje ¿es realmente necesario e importante que se llama a su obra
escultura o pintura? .
Yo creo que desde el punto de vista de alguien que tiene un minimo interés
intelectual, en cuanto al arte, creo que nos interesa poco, por no decir nada, las
etiquetas que una serie de personas en este caso historiadores o críticos del arte
tenga que poner a una obra o a un autor.
Si precisamente estas series de obras de gran tamaño pintadas cada una por
separado, dando una sensación de tridimensionalidad y navega entre ambas
disciplinas, hace que sea realmente curioso la reflexión que acabo de hacer.
Volvemos a lo de siempre, una crítica se basa en el gusto de quien tiene ese
poder, eso es una soberana estupidez y me remitiria a cuestiones ya comentadas
por mi en otros comentarios.Que el gusto determine una buena o mala crítica
dice poco, de quien juzga.
Deberia de haber unos valores minimos para determinar el valor de una obra.
Es decir la única pega que puedo comentar es no haberlo visto en vivo y en
directo para poder juzgar las imagénes de una gran fuerza sublime .
A esto me refiero cuando en los anteriores trabajos, sobretodo la galeria
Bombarda que sean realmentes obras mediocres o simplemente les llamo
ejercicios de facultad.
Por que no pueden trascender a la categoria de obra como la obra Xia Xiaowan,
por la sencilla razón que no han investigado y trabajado en otros formatos hasta
conseguir piezas únicas.
Una obra que tienes esas cualidades tan plásticas que transciende incluso la
figuración, ¿por que trasciende la figuración? pues por cada plancha de vidrio
es una mancha estudiada que esta colocada de manera que al colocarse delante
o detrás, cree esa sensación de tridimensionalidad que tiene la escultura.
Fotos Nick
una de las cosas mas admirables de este tipo de fotografia, es la complejidad y lo dificil que es abordar una tematica como el retrato de animales.
Y lo que llega a emocionar unas fotografias en blanco y negro de animales.
Animales retratados psicologicamente
Nick Brandt
Exposicion en Blanco y Negro
Nick Brandt (Reino Unido)
Fotografias de una gran calidad plástica en blanco y negro, de naturaleza
salvaje en África. Retratos de una gran carga psicologica de tanto animales
individuales como en manadas , una gran potencia visual se aprecia en las
fotografias, siendo muy emocionales estás.
los leones enamorados, rinocerontes nostálgicos , gran manada de elefante
como si de una procesión se tratase …. son fotografias muy humanizadas en
cuanto sentimientos cogidos por una cámara fotográfica .
La particularidad de este fotográfo es que solamente trabaja en África con
animales captando su lado más poètico y humano, si cabe resaltar es que
acentuar las sensaciones,un ejemplo una mirada tierna de un gorila al infinito...
Su finalidad es captar el último instante poético de los animales trabajando en
una fotografia en blanco y negro, que hace que sea mas emocional esa aptitudes
captadas por este fotografo de retratos de animales.
Tiene un tratamiento de la fotografia desde el punto de vista de la tematica
como si fuera un fotografo documental de la BBC que trabaja sobre los pueblos
perdidos de algún sitio recondito del mundo.
Lo más increible si cabe de este fotografo es que su trabajo parece como si los
retratados en este caso los animales, hubieran posado acorde con la idea de este
artista.
Pareciendo que son fotos encontradas y no buscadas como realmente son.
Son buscadas con una minuciosidad tal que el resultado esta acorde con la
dedicación del artista a su trabajo.
Nick Brandt (Reino Unido)
Fotografias de una gran calidad plástica en blanco y negro, de naturaleza
salvaje en África. Retratos de una gran carga psicologica de tanto animales
individuales como en manadas , una gran potencia visual se aprecia en las
fotografias, siendo muy emocionales estás.
los leones enamorados, rinocerontes nostálgicos , gran manada de elefante
como si de una procesión se tratase …. son fotografias muy humanizadas en
cuanto sentimientos cogidos por una cámara fotográfica .
La particularidad de este fotográfo es que solamente trabaja en África con
animales captando su lado más poètico y humano, si cabe resaltar es que
acentuar las sensaciones,un ejemplo una mirada tierna de un gorila al infinito...
Su finalidad es captar el último instante poético de los animales trabajando en
una fotografia en blanco y negro, que hace que sea mas emocional esa aptitudes
captadas por este fotografo de retratos de animales.
Tiene un tratamiento de la fotografia desde el punto de vista de la tematica
como si fuera un fotografo documental de la BBC que trabaja sobre los pueblos
perdidos de algún sitio recondito del mundo.
Lo más increible si cabe de este fotografo es que su trabajo parece como si los
retratados en este caso los animales, hubieran posado acorde con la idea de este
artista.
Pareciendo que son fotos encontradas y no buscadas como realmente son.
Son buscadas con una minuciosidad tal que el resultado esta acorde con la
dedicación del artista a su trabajo.
performances Lucy and Bart
Lucy and Bart
performances
Todas las artes en general tienen y adquieren conocimientos de otras disciplinas
enriqueciendolas de tal manera que no sabes donde empieza una disciplina y
donde acaba otra.
Por regla general, hablando desde mi punto de vista tanto las instalaciones
como happening y performances no es algo que personalmente ni me llame ni
preste la atención necesaria a este tipo de arte de principios de siglo XX,
y ni mucho menos prestarle atención y sintiendo curiosidad.
Este caso es distinto la mixtura de varias disciplinas hace que sobresalga de
manera increible, potenciando el cuerpo humano como si de una nueva especie
de hominido se tratase, llenando de colorido nuestro cuerpo que por lo general
no es muy visto en terminos naturales.
Utilizan sus propios cuerpos para desarrollarr sus piezas de artes, dato curioso
o por lo menos a mi me lo parece, por que por regla general este tipo de
acciones las suelen llevar a cabo actores por llamarlos de alguna manera.
La verdad que me encanta a ver descubierto a estos dos artitsas que trabajan
conjuntamente.
Personalente me encantan las dos piezas creadas con espuma la de evolución y
sobretodo la que se titula germinando primer dia y germinando ocho dias
después.
Como me referia anteriormente parece una evolución del ser humano otras
nuevas especies que podian existir en futuro muy muy lejano, pero es muy
divertido pensar que pudiesemos tener ese tipo de aspecto y sobre todo
colorido.
Me parece obras realmente muy interdisciplinares con un toque de ironia y
humor muy inteligente para llegar a ese punto.
Sinceramente voy a seguir muy de cerca las obras de estos artistas, no es una
cosa que actualmente yo diga y menos si se trata de arte comporaneo.
performances
Todas las artes en general tienen y adquieren conocimientos de otras disciplinas
enriqueciendolas de tal manera que no sabes donde empieza una disciplina y
donde acaba otra.
Por regla general, hablando desde mi punto de vista tanto las instalaciones
como happening y performances no es algo que personalmente ni me llame ni
preste la atención necesaria a este tipo de arte de principios de siglo XX,
y ni mucho menos prestarle atención y sintiendo curiosidad.
Este caso es distinto la mixtura de varias disciplinas hace que sobresalga de
manera increible, potenciando el cuerpo humano como si de una nueva especie
de hominido se tratase, llenando de colorido nuestro cuerpo que por lo general
no es muy visto en terminos naturales.
Utilizan sus propios cuerpos para desarrollarr sus piezas de artes, dato curioso
o por lo menos a mi me lo parece, por que por regla general este tipo de
acciones las suelen llevar a cabo actores por llamarlos de alguna manera.
La verdad que me encanta a ver descubierto a estos dos artitsas que trabajan
conjuntamente.
Personalente me encantan las dos piezas creadas con espuma la de evolución y
sobretodo la que se titula germinando primer dia y germinando ocho dias
después.
Como me referia anteriormente parece una evolución del ser humano otras
nuevas especies que podian existir en futuro muy muy lejano, pero es muy
divertido pensar que pudiesemos tener ese tipo de aspecto y sobre todo
colorido.
Me parece obras realmente muy interdisciplinares con un toque de ironia y
humor muy inteligente para llegar a ese punto.
Sinceramente voy a seguir muy de cerca las obras de estos artistas, no es una
cosa que actualmente yo diga y menos si se trata de arte comporaneo.
Sozyone diseño grafico
Diseño gráfico Sozyone
Una de las cosas increibles del arte es cuando se fusiona de alguna manera con
la vida,¿ donde empieza la vida y donde empieza el arte?.
El caso de este hombre no es extraño, Sozyone empezo a realizar sus primeras
obras en la pared de una carcél, no se cual es su motivación ni tampoco por que
acabo en la carcél.
Su estilo bebe de muchas fuentes desde el grafiti pasando por el propio diseño
gráfico y sin dejar de lado que tambien tiene influencias del comic.
Personalmente no conocia nada de su obra, por que he estado buscando mucha
información sobre este tipo de diseño que es realmente fresco, no es una
mancha sucia en una pared, si no una obra gráfica con una potencia increible.
La serie que tiene de retratos dibujados con dos tonos azules y amarillos
personalmente no son el tipo de cosas que mire por afinidad creativa,.
(Tanto este comentario como el de la perfomance que he realizado, han sido dos
hallazgos muy enriquecedores por que son areas que no presto atención, cosa
que gracias a este tipo de autores he subsanado.)
Despues de cinco años de carreray estando en otro pais y viendo otras cosas, he
abierto un poco más la mirada y la mente.
La serie de retratos que tiene su aspecto es mas de grafitti y no tanto de diseño
grafico pero la serie que tiene con una multitud de colores si son trabajos de
diseño gráfico propiamente dicho.
Una de las cosas increibles del arte es cuando se fusiona de alguna manera con
la vida,¿ donde empieza la vida y donde empieza el arte?.
El caso de este hombre no es extraño, Sozyone empezo a realizar sus primeras
obras en la pared de una carcél, no se cual es su motivación ni tampoco por que
acabo en la carcél.
Su estilo bebe de muchas fuentes desde el grafiti pasando por el propio diseño
gráfico y sin dejar de lado que tambien tiene influencias del comic.
Personalmente no conocia nada de su obra, por que he estado buscando mucha
información sobre este tipo de diseño que es realmente fresco, no es una
mancha sucia en una pared, si no una obra gráfica con una potencia increible.
La serie que tiene de retratos dibujados con dos tonos azules y amarillos
personalmente no son el tipo de cosas que mire por afinidad creativa,.
(Tanto este comentario como el de la perfomance que he realizado, han sido dos
hallazgos muy enriquecedores por que son areas que no presto atención, cosa
que gracias a este tipo de autores he subsanado.)
Despues de cinco años de carreray estando en otro pais y viendo otras cosas, he
abierto un poco más la mirada y la mente.
La serie de retratos que tiene su aspecto es mas de grafitti y no tanto de diseño
grafico pero la serie que tiene con una multitud de colores si son trabajos de
diseño gráfico propiamente dicho.
casa da musica
Casa da Musica
Edificio construido por el arquitecto holandes Rem Koolhaas es un edificio
como su propio nombre indica, un auditorio de música que cuenta con tres
pabellones, un pabellón donde alberga tres orquestas: orquesta nacional de
Porto, orquesta barroca y remix ensemble.
Se construyo en la rotonda cercana a Boavista una de las calles principales de
Oporto.
Según la critica estadounidense fue muy aclamado el proyecto de este
arquitecto Holandés.
Eso es la critica digamos de carácter intelectual.
He estado hablando personalmente con personas de oporto y le he preguntado
por la obra de Casa da Musica.
Y basicamente me han comentado que podian haberse gastado esa cantidad de
dinero en restaurar , el centro hístorico de la ciudad por que esta casi derruido
mal conservado y sin nigun tipo de cuidado ni prestaciones
La verdad que estoy totalmente de acuerdo, que politicamente esta muy bien
crear entre comillas edificios nuevos, para dar una imagen al resto del mundo
que no es.
Pero que tengan una funcionalidad, (todos sabemos que es mentira, en
cuestiones de politica el dinero manda,) y mas si la mitad o mas de la mitad van
a parar a bolsillos de politicos.
Aquí me doy cuenta, pese a muchisima diferencias con los portugueses
derteminadas cosas, como la corrupción que es exactamente lo mismo, en
cualquier lugar del mundo.
Esto me recuerda a algo que hace poco se ha construido y es el edificio de la
memoria de andalucia en Granada.
Es una cosa mas cercana con la que yo puedo hacer paralelismo con la Casa da
Musica.
No era necesario ni preciso que se gastaran semejante millonada es una cosa
horrible, por que es antiestetico el edificio de la memoria de andalucia.
Eso sin contar que era innecesario crear un edificio totalmente nuevo cuando se
podia haber utilizado otros lugares.
Cosas que tienen ambos edificios en común que no pegan con el entorno que le
rodea por muy modernos que estos sean.
Edificio construido por el arquitecto holandes Rem Koolhaas es un edificio
como su propio nombre indica, un auditorio de música que cuenta con tres
pabellones, un pabellón donde alberga tres orquestas: orquesta nacional de
Porto, orquesta barroca y remix ensemble.
Se construyo en la rotonda cercana a Boavista una de las calles principales de
Oporto.
Según la critica estadounidense fue muy aclamado el proyecto de este
arquitecto Holandés.
Eso es la critica digamos de carácter intelectual.
He estado hablando personalmente con personas de oporto y le he preguntado
por la obra de Casa da Musica.
Y basicamente me han comentado que podian haberse gastado esa cantidad de
dinero en restaurar , el centro hístorico de la ciudad por que esta casi derruido
mal conservado y sin nigun tipo de cuidado ni prestaciones
La verdad que estoy totalmente de acuerdo, que politicamente esta muy bien
crear entre comillas edificios nuevos, para dar una imagen al resto del mundo
que no es.
Pero que tengan una funcionalidad, (todos sabemos que es mentira, en
cuestiones de politica el dinero manda,) y mas si la mitad o mas de la mitad van
a parar a bolsillos de politicos.
Aquí me doy cuenta, pese a muchisima diferencias con los portugueses
derteminadas cosas, como la corrupción que es exactamente lo mismo, en
cualquier lugar del mundo.
Esto me recuerda a algo que hace poco se ha construido y es el edificio de la
memoria de andalucia en Granada.
Es una cosa mas cercana con la que yo puedo hacer paralelismo con la Casa da
Musica.
No era necesario ni preciso que se gastaran semejante millonada es una cosa
horrible, por que es antiestetico el edificio de la memoria de andalucia.
Eso sin contar que era innecesario crear un edificio totalmente nuevo cuando se
podia haber utilizado otros lugares.
Cosas que tienen ambos edificios en común que no pegan con el entorno que le
rodea por muy modernos que estos sean.
300
CREO QUE ERA INNECESARIO CREAR MONSTRUOS CUANDO ERAN PERSONAS, ES SOLO UN COMENTARIO DE LA PELICULA
Comic y Cine
Cómic y cine
Un caso paradigmatico : comic 300 de Frank Miller y pelicula de Zack
Snyder
Siendo dos disciplinas totalmente diferentes, el cine y el video desde el punto
de vista comercial persiguen el mismo objetivo: vender.
Las dos industrias desde hace una década, realizan colaboraciones desde mi
punto de vista no para bien en ninguno de los dos casos.
Desde el punto de vista narrativo, que en otros aspectos si han podido mejorar
pero no suele ser la regla general.
En los últimos años se llevan las dos producciones de las manos para crear aún
más, si cabe otro producto mas comercial.
El caso de 300 es un caso extraño, por que por regla general, no suelen
funcionar .
La narrativa del comic llevada al cine por la sencilla razón que son dos medios
son diferentes, también es verdad que el propio creador, Miller ha estado
presente en la pelicula.
(No se hasta que punto, por que la estetica de la pelicula no tiene nada que ver
con el tebeo ).
No deja de ser en ambos caso de un producto con una única finalidad, recaudar
millones de dolares para el beneficio de su creador.
Se podia haber hecho mejor la pelicula, pues sinceramente podia haber sido fiel
al comic, dado que la propia historia, es un hecho historico.
Pero volvemos a lo mismo eso hace 20 años hubiera sido una buena adaptación
de un comic actualmente no.
Yo no recuerdo haber visto una buena pelicula en el cine desde hace mucho
tiempo.
Buenas colaboraciones en ambos casos, hoy por hoy no he visto ninguna
adaptación decente de un comic del mainstream.
La única buena critica que tengo y no he visto el comic ni la pelicula es la
adaptación al cine de camino a la perdición.
Un caso paradigmatico : comic 300 de Frank Miller y pelicula de Zack
Snyder
Siendo dos disciplinas totalmente diferentes, el cine y el video desde el punto
de vista comercial persiguen el mismo objetivo: vender.
Las dos industrias desde hace una década, realizan colaboraciones desde mi
punto de vista no para bien en ninguno de los dos casos.
Desde el punto de vista narrativo, que en otros aspectos si han podido mejorar
pero no suele ser la regla general.
En los últimos años se llevan las dos producciones de las manos para crear aún
más, si cabe otro producto mas comercial.
El caso de 300 es un caso extraño, por que por regla general, no suelen
funcionar .
La narrativa del comic llevada al cine por la sencilla razón que son dos medios
son diferentes, también es verdad que el propio creador, Miller ha estado
presente en la pelicula.
(No se hasta que punto, por que la estetica de la pelicula no tiene nada que ver
con el tebeo ).
No deja de ser en ambos caso de un producto con una única finalidad, recaudar
millones de dolares para el beneficio de su creador.
Se podia haber hecho mejor la pelicula, pues sinceramente podia haber sido fiel
al comic, dado que la propia historia, es un hecho historico.
Pero volvemos a lo mismo eso hace 20 años hubiera sido una buena adaptación
de un comic actualmente no.
Yo no recuerdo haber visto una buena pelicula en el cine desde hace mucho
tiempo.
Buenas colaboraciones en ambos casos, hoy por hoy no he visto ninguna
adaptación decente de un comic del mainstream.
La única buena critica que tengo y no he visto el comic ni la pelicula es la
adaptación al cine de camino a la perdición.
Bill Viola
Bill Viola Purificación
Artista estadounidense .
fue unos de los primeros en utilizar el videoarte como forma de
expresión influenciado por Bruce Nauman ,Vito Acconci .
Influenciados por todos aquellos artista que en la década de los 70
utilizaban tanto la performance como el body art .
Se le puede considerar como un artista del renacimiento italiano pero
con el descubrimiento de un” nuevo pincel ", y por pincel me refiero
a la técnica .Que en este caso es el videoarte que utilizando de una
“maniera” tan particular que nos rememora a una época como es el
siglo XV.
Me gusta muchísimo el carácter pictórico de esta video instalación por
que muestra una escena de carácter religioso pero visto desde la
modernidad, modernidad por como un tema tan utilizado en pintura
religiosa le da otro carácter mucho mas misterioso y elocuente con el
tema tratado sin duda su visión moderna de utilizar el video como
medio de expresión hace que sea fundamental en mi elección a la
hora de haber planteado este proyecto.
Artista estadounidense .
fue unos de los primeros en utilizar el videoarte como forma de
expresión influenciado por Bruce Nauman ,Vito Acconci .
Influenciados por todos aquellos artista que en la década de los 70
utilizaban tanto la performance como el body art .
Se le puede considerar como un artista del renacimiento italiano pero
con el descubrimiento de un” nuevo pincel ", y por pincel me refiero
a la técnica .Que en este caso es el videoarte que utilizando de una
“maniera” tan particular que nos rememora a una época como es el
siglo XV.
Me gusta muchísimo el carácter pictórico de esta video instalación por
que muestra una escena de carácter religioso pero visto desde la
modernidad, modernidad por como un tema tan utilizado en pintura
religiosa le da otro carácter mucho mas misterioso y elocuente con el
tema tratado sin duda su visión moderna de utilizar el video como
medio de expresión hace que sea fundamental en mi elección a la
hora de haber planteado este proyecto.
Historia del arte cerrada Catalina Serra 14/05/2010
"La historia del arte está cerrada"
CATALINA SERRA - Barcelona - 14/05/2010
"Los humanos somos aquello que de nosotros dicen nuestras imágenes". La frase, una de las
muchas citas de antología que casi obligan al subrayado, explica en cierta manera de qué va la
maravilla de Autobiografía sin vida (Mondadori), el último libro de Félix de Azúa. En este lúcido y
casi poético ensayo, este escritor y profesor de Estética recién jubilado ("para trabajar sin otras
distracciones", dice) va recorriendo las imágenes que han marcado su vida, la de su generación y, en
cierta manera, la de todo el arte occidental. Desde los caballos rupestres de la cueva de Chauvet
hasta la última performance, póstuma como el arte mismo, de James Lee Byars. Este paseo vital le
lleva por la cruz ("desde niños veíamos esta barbaridad colgada, ¡lo que debió traumatizarnos esta
imagen!"), la escultura clásica ("todos hemos sido griegos en la adolescencia"), las catedrales
góticas, la pintura flamenca, La muerte de Marat, de David, los Desastres, de Goya, o el suicidio de
Rothko. Y en cada fase constata cómo el arte ha ido desgastando la vida, robándole su magia, para
convertirla en la sombra de lo que fue, en pura representación, hasta su aniquilación.
"Hay un momento final. A partir de Hiroshima, los humanos nos damos cuenta de que podemos
autodestruirnos hasta desaparecer del cosmos. Se produce entonces una grieta gigantesca con el
pasado y comienza una nueva era. Es como el paso del paleolítico al neolítico. Y el arte de esta
nueva era está empezando aún. Por eso nos parece rarísimo, desconcertante, porque viene a decir
'he muerto', pero esto es la obra de arte. Presenta como obra de arte su propia desaparición. Es
difícilísimo en este momento trabajar sobre cuestiones artísticas. Creo que hay que ser filósofo,
vaya, y en el sentido técnico de haber estudiado la carrera. Estamos en el puro vacío, en la
representación artística de la muerte del arte, que ha alcanzado la fase hegeliana de la
autoconsciencia. Esto le lleva a la autodestrucción pese a que, simultáneamente, esta destrucción es
artística. Es una contradicción muy interesante para los que nos dedicamos a la teoría, pero, claro, a
la gente le desconcierta mucho. Es todo complicadísimo y al mismo tiempo es nuestra
representación. Llevamos una vida así de complicada".
Pese a que el libro rezuma vida y ganas de vivirla, Azúa está convencido de que "habitamos un
mundo ya destruido por la bomba atómica". Asegura que el terror nuclear que atenazó a su
generación se ha dulcificado porque "es imposible mantener la tensión de la muerte tanto tiempo",
pero ya está interiorizado de tal manera que sólo lo percibimos en el reflejo de este arte complejo y
duro que nos desorienta.
"La historia del arte, con mayúsculas, está cerrada. Va a ser muy difícil que se mantengan los
grandes discursos antiguos". ¿Qué vendrá? "No tengo ni idea. Lo que está claro es que el arte así
como se ha concebido en los últimos 30.000 años se ha acabado. Pero también sé que no podemos
prescindir del arte, como no podemos hacerlo de la religión o la ciencia". La magia, ese punto de
simpatía o comunión con la vida o el cosmos, es una pulsión, dice, que no desaparecerá. "Suele
decirse que lo propio de los artistas es mantener viva esta magia, pero cualquiera, por muy alejado
que esté de las cuestiones estéticas, sabe de qué hablamos. También un hincha de fútbol en plena
euforia etílica puede tener este momento artístico. Y no hace falta exagerar tanto, esta comunión
con el cosmos se le da a todo el mundo en el momento en que se enamora. Enamorarse no es otra
cosa". Arte.
© EDICIONES EL PAÍS S.L. - Miguel Yuste 40 - 28037 Madrid [España] - Tel. 91 337 8200
martes, 25 de mayo de 2010
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